E’ una delle notizie d’archeologia più importanti dell’anno. Forse anzi la più importante. A fine maggio scorso, lo Stato italiano ha acquistato per 15 milioni di euro i 37 pannelli dipinti che costituiscono l’apparato pittorico della Tomba François di Vulci, fin dal momento della scoperta nella necropoli di Ponte Rotto a Vulci (nel 1857, da parte di Alessandro François, lo stesso che scoprì il Vaso François) proprietà della famiglia Torlonia e poi dei suoi eredi e fino a poco tempo fa custodita a Villa Albani.

Neanche un mese di tempo ed ecco che gli affreschi della Tomba François, finalmente di proprietà pubblica, hanno trovato la loro collocazione, pubblica, nel luogo meglio deputato, almeno al momento, ad accoglierli, esporli e valorizzarli: il Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia.

La Direttrice del museo Luana Toniolo e la sua squadra hanno letteralmente fatto i miracoli riuscendo nella straordinaria impresa di allestire in tempo zero non solo i pannelli degli affreschi dando loro una collocazione che rievocasse la spazialità della tomba, ma anche di organizzare una mostra di respiro internazionale, che riunisce per la prima volta insieme gli elementi del corredo rinvenuto all’interno della Tomba: reperti che furono variamente venduti e dispersi tra collezioni private e pubbliche in mezza Europa. Questa mostra si intitola significamente “Il ritorno degli eroi“: un richiamo al ciclo pittorico della tomba, nel quale si trovano personaggi del ciclo troiano accanto a condottieri etruschi, ma anche un riferimento preciso proprio alla riunione insieme degli oggetti del corredo per troppo tempo rimasti divisi e lontani per via delle loro vicende collezionistiche all’indomani della scoperta.

Gli affreschi della Tomba François

Si tratta della più importante e artisticamente rilevante testimonianza della pittura etrusca. Una pittura etrusca della seconda metà del IV secolo a.C., una pittura che si pone come anello di congiunzione tra la pittura funeraria etrusca, di lunghissima tradizione, e la pittura romana di età repubblicana (l’esempio più noto è quello della Tomba dei Fabii con scene militari, datato al III secolo a.C. ed esposto alla Centrale Montemartini). Una pittura – e qui non parla l’archeologa – capace ancora oggi di emozionare, di lasciare a bocca aperta per certi dettagli dei volti, della fisicità dei corpi, della forza di certe scene.

Non è questa la sede per illustrare nel dettaglio gli affreschi della Tomba François: studiatissimi, sono stati oggetto di ben più di un approfondimento più o meno di carattere scientifico o al contrario divulgativo. Qui, proprio perché per una volta voglio lasciare da parte l’archeologa analitica, voglio soffermarmi su alcuni pannelli, su alcuni dettagli, che più di altri mi hanno colpito e, perché no, commosso.

Solo un cenno: il tema degli affreschi è una stretta correlazione tra episodi della Guerra di Troia, in particolare il sacrificio di prigionieri Troiani compiuti da Achille in onore di Patroclo, ed episodi di storia locale che vedono contrapposti Etruschi di Vulci e Romani con un sentimento decisamente anti-romano: si tratta dell’episodio della liberazione di Caile Vipinas (Celio Vibenna) da parte di Macstrna (Mastarna, identificato dalla tradizione, a partire dagli studi dell’imperatore Claudio, nel re di Roma Servio Tullio). Del resto il proprietario della tomba è Vel Saties, un esponente dell’aristocrazia vulcente, ed è probabile che all’epoca presso gli Etruschi esistesse una qualche forma di canto-racconto delle Tuscae Historiae, cioè del racconto delle antiche gesta dei padri e dei capostipiti: sul tema, piuttosto complesso, rimando all’interessante articolo di Maurizio Harari, a partire proprio dalla Tomba François.

Ma veniamo ai dettagli che più hanno colpito la mia immaginazione o che meglio hanno stimolato le mie sinapsi.

Aiace e Cassandra

L’episodio di Aiace che stupra Cassandra, nonostante essa si sia rifugiata presso il simulacro della dea Atena si colloca, nel mito, nei momenti della caduta di Troia. E’ il momento in cui la città è sconfitta e i Greci si avventano con ferocia inaudita sulla famiglia e sulla discendenza di Priamo. L’episodio di Aiace e Cassandra ha ispirato l’arte greca, etrusca e financo romana: l’iconografia, con varie declinazioni, vede Cassandra caduta in ginocchio, seminuda davanti al Palladio, abbracciata ad essa nella speranza che il suo aggressore rispetti il luogo sacro. Ma Aiace al contrario afferra Cassandra per i capelli, talvolta la minaccia con la spada e questa scena evoca lo stupro che di lì a poco avverrà. Purtroppo il pannello della Tomba François sul quale è raffigurata questa scena è molto rovinato, pertanto non si percepisce la tensione narrativa, come invece altrove negli episodi raffigurati sulle pareti della tomba.

L’episodio di Aiace e Cassandra, però, mi è caro, perché è uno degli esempi trattati nel saggio “Femminicidio e violenza di genere nell’antica Roma” che ho curato per i tipi di Dielle Editore, a proposito della rappresentazione della violenza sulle donne nell’arte antica.

Charun, il demone azzurro

Charun, la trasposizione etrusca di Caronte, il traghettatore delle anime nell’Oltretomba, è un demone di colore azzurro che, nell’ambito del ciclo pittorico della Tomba François, assiste al sacrificio dei prigionieri troiani da parte di Achille. Insieme a lui il demone femminile Vanth, con le sue ali variopinte, e lo stesso Patroclo, vestito di un manto azzurro, che osserva la scena. Sotto i suoi occhi Achille trafigge alla gola un troiano sconfitto e seduto, immobilizzato. Questo sacrificio è inquadrato dagli sguardi dei due demoni etruschi, mentre, alle spalle di Charun, altri due prigionieri, nudi, legati, sono condotti da Greci in armatura, che li custodiscono finché non verrà il loro turno. Una scena tanto crudele quanto lirica per noi che la osserviamo oggi, soffermandoci sui fiotti di sangue che sgorgano dal collo del prigioniero, o sul ghigno azzurrognolo di Charun che guarda dritto negli occhi la demone Vanth la quale, con le sue ali spiegate, sembra avvolgere il defunto eroizzato Patroclo e il giustiziere Achille.

Vel Saties, il giovane Arnza e l’aruspicina

Di fronte a tante scene di guerra, che si riferiscano al ciclo troiano o alle Tuscae Historiae, vicende di guerra e di morte, ecco che la scena, al tempo stesso aulica e sacra, di Vel Saties, proprietario della tomba e pater familias, con il giovane Arnza, probabilmente un servitore, che trattiene l’uccello (rondine o picchio) il cui volo sarà oggetto di interpretazione, si configura come una vera e propria immagine di status sociale: la famiglia dei Saties conosce l’aruspicina, rispetta e tramanda la Storia e le tradizioni degli Antenati, si espone politicamente in funzione antiromana. Vel Saties indossa la toga purpurea, chiaro segno ex post del comandante vittorioso, riccamente adornata con figure femminili nude (indagherò sul significato di questa “fantasia” sul tessuto). Inoltre indossa la corona d’alloro che evidentemente già in Etruria premiava i condottieri vittoriosi.

Celio Vibenna, Mastarna e gli altri

A far da contraltare al sacrificio dei prigionieri troiani c’è la rappresentazione di un episodio antico della storia etrusca: quello di Caile Vipinas (Celio Vibenna) liberato da Mastarna. Secondo le Tuscae Historiae, Caile Vipinas conquistò Roma, o meglio il colle Celio, insieme al fratello Aule Vipinas. Macstarna, sodalis di Caile Vipinas, dopo la morte di quest’ultimo ebbe contrasti con Aule Vipinas, prevalse e divenne re di Roma col nome di Servio Tullio. In realtà la storiografia latina racconta ben altro riguardo Servio Tullio, mettendolo in correlazione con Tanaquilla, moglie di Tarquinio Prisco, e rivelando, nel nome stesso, una condizione servile di origine. E’ l’imperatore Claudio, il primo vero etruscologo che la Storia ricordi, a stabilire che Macstarna e Servio Tullio siano la stessa persona.

[sulla figura di Servio Tullio – Mastarna lascio il contributo di Antonio Montesanti su Academia.edu]

Detto questo, sulla parete della Tomba François dedicata agli eroi etruschi, appare Macstarna che libera Caile Vibenna, e a seguire tre scene di duello/ammazzamento, descritte dall’indicazione del nome dei protagonisti; delle tre la più interessante è l’ultima, in cui a morire è un certo Cnaeve Tarchunies Rumach, ovvero Gneo Tarquinio di Roma. Un episodio di storia antica degli Etruschi in funzione antiromana ci parla di un periodo storico in cui Vulci, ancora fiera e prospera, sente la pressione romana, ma ancora la tiene a bada. Le guerre sannitiche sono già in corso (la prima è del 343 a.C., contestualmente alla realizzazione della Tomba) e di lì a pochi decenni (nel 280 a.C., dopo la drammatica sconfitta della coalizione etrusco-piceno-sannita alla battaglia del Sentino del 295 a.C.) Vulci sarà conquistata da Roma. Viene da pensare che per fortuna Vel Saties, così appassionato sostenitore dell’indipendenza etrusca da quella città di arroganti conquistatori, sia morto prima che le sorti per la sua Vulci si capovolgessero.

Il ritorno degli Eroi

Ed eccoci, ad affrontare la mostra. Mostra a corredo dell’esposizione degli affreschi della Tomba François; mostra piccola, raccolta in un’unica sala. E però sufficiente per tracciare la storia degli studi e delle collezioni. Perché se fortunatamente gli affreschi rimasero nel possesso della famiglia Torlonia che mai li svendette al miglior offerente, lo stesso non può dirsi per gli oggetti del corredo che furono variamente venduti, acquistati, regalati e che oggi si trovano, sparpagliati nelle più diverse collezioni museali del mondo. Ed ecco che così la seconda vita di gioielli, vasi e reperti vari provenienti dalla tomba diventa storia dell’archeologia e del collezionismo. Al Museo del Louvre, per esempio, furono venduti da Heinrich Brunn, alcuni gioielli provenienti dalla Tomba François: una collana, due paia di orecchini, due anelli e due scarabei incisi ispirati ai modelli dell’oreficeria ellenistica, vicini alle produzioni tarantine e inquadrabili tra il III e il II secolo a.C. In mostra sono esposte due coppie di orecchini, di una qualità artistica e di un disegno da poter essere tranquillamente indossati oggi.

Dai Royal Museums of Art and History di Bruxelles giunge in mostra invece un’anfora dipinta dal pittore di Syleus e datata tra il 480 e il 470 a.C.: raffigura su un lato il mito di Teseo che lega il toro che devastava il territorio di Maratona (attenzione: non il Minotauro!) assistito dalla dea Athena. Sull’altro lato una Gigantomachia. Al di sotto, sulla pancia, una Centauromachia. In sostanza: un vaso che è un compendio di valori eroici propri delle aristocrazie greche e poi etrusche. E non solo, vista la datazione della tomba, al IV secolo, direi che quest’anfora costituiva un cimelio all’interno del corredo della sepoltura di Vel Saties. Ciò che in mostra viene raccontato è l’intricato percorso collezionistico che dopo alterne vicende ha portato quest’anfora a Bruxelles. Va detto che la seconda vita delle opere, cioè quella collezionistica, non è meno entusiasmante di quella prima del seppellimento.

Anche il Musée Cantonal d’Histoire et d’Archéologie di Losanna ha reperti che appartennero al corredo di Vel Saties: 38 vasi, che appartenevano alla collezione di Adolphe Noel des Vergers, socio di Alessandro François, lo scopritore della tomba: i due soci si erano effettivamente divisi il “bottino” all’atto della scoperta, dopodiché, alla morte di Des Vergers, la sua collezione fu messa all’asta.

Tra i vari musei europei coinvolti poteva non comparire il British Museum? E infatti eccolo, tra i possessori di reperti provenienti dal corredo della Tomba François, per il tramite di Alessandro Castellani, noto antiquiario, mercante e orafo operativo in Roma nella seconda metà dell’Ottocento. Tra i materiali del British Museum spicca un curioso askos, vasetto configurato a forma di leone prodotto probabilmente a Chiusi nella seconda metà del IV secolo a.C.

Completa l’esposizione la possibilità di vedere dal vivo i disegni realizzati a partire da quelli realizzati, pochi giorni dopo la scoperta della tomba, da Nicola Ortis su incarico dell’Istituto di Corrispondenza Archeologica. Gli originali di Ortis sono perduti, ma le copie, realizzate da Bartolomeo Bartoccini, sono oggi conservati presso l’Istituto Archeologico Germanico di Roma e consentono di cogliere, nella freschezza del tratto a disegno, lo sguardo di chi fu tra le prime persone a osservare gli affreschi e, superato l’iniziale senso di meraviglia, li guardò con l’occhio dell’artista, ma anche dell’attento copista.

Insomma, la mostra “Il ritorno degli Eroi”, pur nella sua semplicità, racconta un capitolo di storia dell’archeologia che si fonde da una parte con la storia del collezionismo ottocentesco e dall’altra con quello spirito antiquario e già archeologico nelle intenzioni che vede nella scoperta della Tomba François una scoperta eccezionale, da documentare, da studiare, da pubblicare. La ricostituzione da un lato del corredo, dall’altro del contesto culturale decisamente di respiro europeo che la scoperta comporta è il valore aggiunto dell’intera esposizione. Spero, perché se lo merita, che la mostra verrà prorogata.